www.ortsbezogenekunst.atWaschbecken mit Seifenspendern, furnierte Bürotische,
Farbakzente der 90er Jahre und der zurückgebliebene Schriftzug “Gelassenheit ist die schönste Form des Selbstbewusstsein”
erzählen von dem vergangenen Leben der Neugeborenen-Station. Die ausgewählten Arbeiten verweben, sperren und verbergen sich
an diesem Ort und erweitern die Geschichte des Raumes u.a. mit Bildern von Intimität, Erzählungen über ungewöhnliche Sammlungsdepots
und vergangenen Leben, skizzenhaften Annäherungen an Landschaft oder skulpturalen Auslotungen von Materialität.
Seit
2012 macht
Hanna Burkart das Schlafen zum Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschung. Das Übernachten wird
zur performativen Methode, um ausgewählten Orten näherzukommen und räumliche sowie soziale Aspekte des Schlafens zu Untersuchung.
In ihrer Fotoserie
SCHLAFEN INTERNATIONAL (2017 - ongoing) dokumentiert sie die poetischen Relikte dieser
Handlung, zeigt Bilder von Verletzlichkeit und Intimität. Die detaillierte Liste ihrer vergangenen Schlaforte verbindet sich
in dieser Ausstellung auf direkte Weise mit dem zurückgelassenen Whiteboard der Krankenstation, das letzte Patientinnen und
ihre jeweiligen Krankenzimmer listet.
Sehnsüchte und Erinnerungen, aber auch Einschließen eingeschlossen Sein und
Ausschließen und ausgeschlossen Sein, nehmen in
My Fence, my Paradise (2019) von
Alice von Alten
eine entscheidende Rolle ein. Mit der Hülle einer Baumumzäunung, verfremdet und entkleidet durch den Ortswechsel in den Innenraum,
befragt von Alten den menschlichen Wunsch sowie die Illusion der Beherrschung und Kontrolle von Natur. Die Auseinandersetzung
mit Landschaft als politisches Ausdrucksmittel und Abbildungen politischer Macht zieht sich durch von Altens Arbeit. In Malereien
wie beispielsweise
I like the View up Here (2021) untersucht sie Möglichkeiten der Abstraktion und Dekonstruktion
von Landschaftsdarstellungen.
Leere Regale und unbenutzte Bürotische bilden den passenden Rahmen für die
Videoprojektion
Myriad Tentacles Will be Needed (Again and Again) (2021) von
Ana Likar.
Was einst der größte Lagerkomplex Jugoslawiens war, entwickelte sich Anfang der 90er-Jahre zu einem "lebendigen, dynamischen
kommerziellen Organismus", einem Einkaufszentrum namens City. In einigen der fast 400 Geschäftslokalen versteckt ist heute
auch das Depot des slowenischen Naturkundemuseums (Insekten, Wirbeltiere, Herbarien). In stillen Bildern nähert sich Likar
der Erzählung rund um diese ungewöhnliche Archivstätte, ohne je ganz das Geheimnis des Ortes zu lüften.
Auch
Lukas Gritzner zieht einen Spannungsbogen von Kontexten der 90er-Jahre in die Gegenwart. Den Kern bilden
Referenzen zu künstlerischen und aktivistischen Positionen der 90er-Jahre, die sich mit HIV und AIDS auseinandergesetzt haben
und im Speziellen deren Einfluss auf queere Ästhetik und Community- Building.
until we meet again (2021)
ist eine Multimedia-Installation, die als Bühne und Studio dient. Im Juni 2021 war sie temporärer Ort, an dem Performances,
Talks, Konzerte und DJ Sets für die
FRUITFEST aufgenommen wurden. Wichtiger Teil war die Lecture-Performance
on intimacy, kink and boundaries (2021) von
Aaron/Nora Scherer, die Themen wie Selfcare,
S_xpositivität, Vanilla Shaming und Selbstvergnügen aufgegriffen hat und von
Nikita Zhukovskiy (Film und
Produktion) zu einer Videoarbeit zusammengefasst wurde.
Berührung, Grenze und Barriere sind Assoziationen,
die ebenfalls bei Betrachtung der Skulptur
Geliebte des Regens #3 (Nargaroth)/ The Black Clouds Roll Under the Parapet
of the Sky #3 (Judas Iscariot) (2021) von
Christoph Vogelbauer auftauchen können. Die zwei meterlange
Metallskulptur mit Spitzen auf einem Baumstumpf liegend, verzahnt, versperrt und verhakt sich im Raum und behält trotz ihrer
Massivität und Größe etwas Modellhaftes. Bezug nehmend auf ein gleichnamiges Black Metal Album, dessen atmosphärisches Intro
von Regen- und Wassergeräusche sich mit gutturalen Gesang und tiefen E-Gitarrentönen überlagert, spielt die Arbeit mit Kontrast
und Verbindung von organischer und industrieller Materialität. In bautechnisch anmutenden Zeichnungen testet der Künstler
weitere Funktionsmöglichkeiten, Stellungen, architektonische Nutzungsweisen und mögliche Zerlegungen der Skulptur.
Bei
Ursula Gaisbauer mündet die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Ausstellungsort in der poetischen
Verbindung des Lebensanfangs mit seinem Ende. In ihrer in situ Arbeit
Traces of a lifespan (2021) inszeniert
sie den Wickeltisch als Setzkasten, in dem gefundene Alltagsgegenstände und persönliche Dinge Spuren eines vergangenen Lebens
hinterlassen. In Zusammenarbeit mit einem Trödelladen aus der Nachbarschaft platziert die Künstlerin dort gefundene Objekte
und fragt, was am Ende eines Lebens bleibt? Oder was schlussendlich als wertvoll oder unnütz erachtet wird?
Schlusspunkt
der Ausstellung bildet die Begegnung mit einer der vielschichtigen Textilskulpturen
Francesca Aldeganis:
No Memory Source (2021). Am Balkon schwebend verwebt die totemähnliche Figur Spuren und Codes, die sich auf kollektive
und/ oder persönliche Archive beziehen sowie archetypische Formen aufgreifen. Ihre detailreichen Textilarbeiten bedeuten für
die Künstlerin Selbstbeobachtung und Meditation und stehen gleichzeitig für einen feministischen Akt der Rebellion gegen die
Anonymität. Ob die kleine ergänzende Stickerei
Adesso (italienisch für jetzt) als Aufruf zur Rebellion oder
schlicht ein Besinnen auf den Moment zu verstehen ist, bleibt Entscheidung der Betrachter:innen.
BIOGRAFIEN
Francesca Aldegani studierte von 2013 - 2019 Ortsbezogene Kunst an der Universität für angewandte Kunst
Wien, sowie Industrial Design und Techniques of Natural Fibres in Nomadism in Mailand.
Thespacearound.me
ist ihr Alias-Name. Ihre künstlerische Praxis orientiert sich zunehmend an der Erforschung des Animismus und der Morphischen
Felder. Aldegani fokussiert sich auf archetypische Formen und auf die intuitiven und rituellen Aspekte, die hinter der künstlerischen
Konzeption stehen. In textilen Skulpturen, experimentellen Gravuren und ephemeren Installationen integriert sie gefundene
und gesammelte Materialien, die aus ihrer privaten Sphäre sowie aus industriellen und volkstümlichen Umgebungen stammen.
www.thespacearound.me Alice von Alten studierte
von 2010 bis 2016 Landschaftsdesign/Ortsbezogene Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien und besuchte 2015 die
Klasse Inter-Architecture an der Rietveld Academie in Amsterdam. In ihren medienübergreifenden Arbeiten untersucht und hinterfragt
sie die kulturelle Vermittlung von Naturbildern und -vorstellungen. Durch Dekonstruktion und Dekontextualisierung vertrauter
Bilder, welche in neue Kompositionen fließen, erforscht sie Wege der Natur- und Selbstwahrnehmung.
www.alicevonalten.comHanna Burkart absolvierte an der Universität für angewandte Kunst die Studien Industriedesign und
Ortsbezogene Kunst. In ihren Arbeiten setzt sie sich mit konstruktiven Formen des Tuns und Nichts-Tuns auseinander, mit den
Wechselwirkungen von Räumen und Verhalten, sowie den räumlichen und sozialen Aspekten alltäglicher Kulturtechniken, wie dem
Gehen, dem Schlafen und dem Wohnen. In ihren Performances werden gewohnte und vermeintlich sichere Lebensbedingungen verlassen,
um Möglichkeiten und Praktiken zu zeigen, die den eigenen und fremden Handlungsraum erweitern. Auf dem Wissen dieser physischen
Erfahrungen aufbauend schafft Burkart weitere ortsbezogene Arbeiten – Zeichnungen, Objekte, Installationen.
www.hannaburkart.comUrsula Gaisbauer setzt sich in ihren meist ortsbezogenen Arbeiten mit dem Raum und dessen Besonderheiten
auseinander. Sie eignet sich vorhandene Materialien an, leitet Wege um, spielt mit den Maßstäben und verschiebt die Grenzen,
indem sie beispielsweise Wände durchbricht.
Ihre Arbeit zielt darauf ab, unsere Wahrnehmung von Raum und Material zu
hinterfragen. Sie stellt neue Beziehungen zwischen dem Ort und seiner Geschichte, dem Material und seiner Form, dem Menschen
und der Gesellschaft her. Im Moment entsteht das Kunstbuch MINING, das sich mit 'Spaces in Transition' bzw. Architektur im
Um- oder Abbruch künstlerisch auseinandersetzt und die Projekte UNTERTAGE (Sao Paulo, 2018) und FILMHAUS (Wien, 2020) dokumentiert
und erweitert.
www.ursulagaisbauer.comLukas Gritzner
ist ein Multimediakünstler, der an der Universität für angewandte Kunst in Wien ortsspezifische Kunst studierte.
Die meisten seiner Arbeiten sind skulpturale und multimediale Installationen, die oft auch einen poetischen und sozialen Charakter
haben. Ästhetische und theoretische Bezugspunkte sind verschiedene queere Subkulturen, deren Spektrum von Drag über Fetisch
bis zur schwulen Skinhead-Kultur reicht. Zuletzt hat er die queere Community-Plattform FRUITFEST mitbegründet und -organisiert.
www.fruitfest.clubIn Zusammenarbeit mit:Aaron/Nora
Scherer ist Künstler*in, Sexarbeiter*in, Bodyworker*in und Aktivist*in aus Deutschland. Derzeit lebt aaron in Wien
und studiert an der Akademie der Bildenden Künste. Ausgehend von Fragestellungen zu sozialen Dynamiken entstehen partizipative
und immersive Performances, in denen eine intensive Auseinandersetzung mit zeitgenössischen Formen der Kommunikation und Intimität
stattfindet. Des Weiteren umfasst aarons Praxis die Arbeit mit Video, Sound und Skulptur. Es entstehen mehrdeutige Werke,
die den Körper entfremden und Identität als fluides Werkzeug begreifen.
www.noraaaronscherer.comNikita Zhukovskiy ist ein Transmedia-Künstler, der an der Schnittstelle von Queer-Theorie und digitaler
Kunst arbeitet. Geboren in Moskau, Russland, studierte er Bildende Kunst und New Art Strategies an der British Higher School
of Arts and Design bzw. am ICA Moskau und machte seinen Magister in Medienkunst an der Universität für angewandte Kunst in
Wien. Derzeit lebt er in Berlin, Deutschland. Er schafft Objekte, Skulpturen, Fotografien, Klangkunst und Installationen,
die sich mit Fragen der Identitätspolitik, der Subjektivität der Wahrnehmung, der Bedeutung von Handlung und Sicherheit in
öffentlichen und privaten Räumen und der Vorstellung von Grenzen zwischen diesen Räumen befassen.
https://www.nikitazhukovskiy.com/Ana Likar ist Absolventin der Abteilung für ortsspezifische Kunst an der Universität für angewandte
Kunst in Wien. Ihr künstlerisches Interesse liegt im Untergründigen und Verborgenen und beschäftigt sich mit Fragen nach den
Bedingungen und der Produktion von Erzählungen und Bildern. Mit minimalen Eingriffen versucht sie freizulegen, was nicht zu
sehen ist - mit dem Wunsch, dem Unsichtbaren Raum zu geben und das Sichtbare zu entlarven. Erodierte Fortschrittsvorstellungen,
Ruinen der Moderne, ideologische Schleifen in populärwissenschaftlichen Diskursen sowie Raum- und Zeitreisen sind Themen,
die in ihren Arbeiten oft in Schichten, (Nicht-)Transparenzen und Wiederholungen ihre Form finden.
Christoph
Voglbauers Praxis befindet sich vorwiegend im Bereich der zeitgenössischen Bildhauerei und Architektur, allerdings
vertritt er einen von Gattungsgrenzen weitgehend unabhängigen Kunstbegriff und arbeitet dementsprechend je nach Projekt mit
verschiedenen Medien und Formaten. Es ist Teil des künstlerischen Selbstverständnisses und seiner Arbeitsweise, sich einem
möglichst heterogenen Publikum über Geschlechtergrenzen und soziale Klassen hinweg zu öffnen.
PARALLEL
VIENNA 2021Semmelweis-Frauenklinik
Hockegasse 37, 1180 Wien
Haus B, Raum B117 + B118
07. – 12.9.2021
www.parallelvienna.com Bild: Detail der ehem. Neugeborenen-Station,
Semmelweis-Frauenklinik Wien.